Biografia ''Hieronymus Bosch ''

''Hieronymus Bosch''

Hieronymus Bosch
Hieronymus Bosch, presumível auto-retrato
Nascimento	1450
Morte	Agosto de 1516
Nacionalidade	Neerlandesa
Ocupação	pintor e gravador

Jeroen van Aeken, cujo pseudónimo é Hieronymus Bosch, e também conhecido como Jeroen Bosch, ('s-Hertogenbosch, c. 1450 — Agosto de 1516), foi um pintor e gravador flamengo dos séculos XV e XVI.

Muitos dos seus trabalhos retratam cenas de pecado e tentação, recorrendo à utilização de figuras simbólicas complexas, originais, imaginativas e caricaturais, muitas das quais eram obscuras mesmo no seu tempo.

Pintores alemães como Martin Schongauer, Matthias Grünewald e Albrecht Dürer influenciaram a obra de Bosch. Apesar de ter sido quase contemporâneo de Jan van Eyck, seu estilo era completamente diferente.

Especula-se que sua obra terá sido uma das fontes do movimento surrealista do século XX, que teve mestres como Max Ernst e Salvador Dalí.

Pieter Brueghel o Velho foi influenciado pela arte de Bosch e produziu vários quadros em um estilo semelhante.

Biografia

O seu nome verdadeiro era Jheronimus (ou Jeroen) van Aken. Ele assinou algumas das suas peças como Bosch (AFI /bɔs/), derivado da sua terra natal, 's-Hertogenbosch. Em Espanha é também conhecido como El Bosco.

Sabe-se muito pouco sobre a sua vida. A não existência de documentos comprovativos de o pintor ter trabalhado fora de Hertogenbosh levam a que se pense que Bosch tenha vivido sempre na sua cidade natal. Aí se terá iniciado nas lides da pintura na oficina do pai (ou de um tio), que também era pintor.

Foi especulado, ainda que sem provas concretas, que o pintor terá pertencido a uma (das muitas) seitas que na época se dedicavam às ciências ocultas. Aí teria adquirido inúmeros conhecimentos sobre os sonhos e a alquimia, tendo-se dedicado profundamente a esta última. Por essa razão, Bosch teria sido perseguido pela Inquisição. Sua obra também sofreu a influência dos rumores do Apocalipse, que surgiram perto do ano de 1500.

Existem registos de que em 1504 Filipe o Belo da Borgonha encomendou a Bosch um altar que deveria representar o Juízo final, o Céu e o Inferno. A obra, atualmente perdida (sem unanimidade julga-se que um fragmento da obra corresponde a um painel em Munique), valeu ao pintor o reconhecimento e várias encomendas posteriores. Os primeiros críticos de Bosch conhecidos foram os espanhóis Filipe de Guevara e Pedro de Singuenza. Por outro lado, a grande abundância de pinturas de Bosch na Espanha é explicada pelo fato de Filipe II de Espanha ter colecionado avidamente as obras do pintor.

Bosch é considerado o primeiro artista fantástico.

Obra

A Tentação de Santo Antão

Atualmente apenas se conservam cerca de 40 originais seus, dispersos na sua maioria por museus da Europa e Estados Unidos. Dentre estes, a coleção do Museu do Prado de Madri é considerada a melhor para estudar a sua obra, visto abrigar a maioria daquelas que são consideradas pelos críticos como as melhores obras do pintor.

As obras de Bosch demonstram que foi um observador minucioso bem como um refinado desenhador e colorista. O pintor utilizou estes dotes para criar uma série de composições fantásticas e diabólicas onde são apresentados, com um tom satírico e moralizante, os vícios, os pecados e os temores de ordem religiosa que afligiam o homem medieval. Exemplos destas obras são:

• O Carro de Feno - (Museu do Prado, Madrid)
• O Jardim das Delícias - (Museu do Prado, Madrid)
• O Juízo Final - (Akademie der Bildenden Künste, Viena)
• As Tentações de Santo Antão - (Museu de Arte de São Paulo, São Paulo)
• As Tentações de Santo Antão - (Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa)
• Os Sete Pecados Mortais - (Museu do Prado, Madrid)
• Navio dos Loucos ou A Nau dos Insensatos - (Museu do Louvre, Paris)
• Morte e o Avarento - (Galeria Nacional de Arte em Washington, DC.

A par destas obras, que imediatamente se associam ao pintor, há que referir que mais de metade das obras de Bosch abordam temas mais tradicionais como vidas de santos e cenas do nascimento, paixão e morte de Cristo.

O original tríptico As Tentações de Santo Antão esta incorporado no Museu Nacional de Arte Antiga a partir do antigo Palácio Real das Necessidades. Desconhecem-se as circunstâncias da chegada da obra a Portugal, não sendo certo que tenha feito parte da coleção do humanista Damião de Góis, como algumas vezes é referido.

Galeria de Obras

A Estrada da Vida

A Morte e o Avarento

A Nau dos Insensatos

''Obras Ocidentais ''

''Principais Obras Ocidentais''

Pessoas Nu Arte Realismo

Arte Africana

À medida que o tempo passava, muitos artistas colocaram-se contrários ao ornamentalismo dos estilos anteriores e buscaram a arte anterior, mais simples, do Renascimento, formando o que ficou conhecido por neoclassicismo. O neoclássico foi o componente artístico do movimento intelectual conhecido por Iluminismo, o qual era igualmente idealista. Ingres, Canova e Jacques-Louis David estão entre os mais conhecidos neoclássicos.

Da mesma maneira que o maneirismo rejeitava o classicismo, o romantismo rejeitava as ideias iluministas e a estética neoclássica. A arte romântica enfocava o uso da cor e do gesto a fim de retratar a emoção, mas, como o classicismo, usava a mitologia clássica e a tradição como uma importante fonte de simbolismo. Outro importante aspecto do romantismo foi sua ênfase na natureza e no retrato do poder e da beleza do mundo natural, sempre idealizados de acordo com um eu. O romantismo foi também um grande movimento literário, especialmente na poesia. Entre os maiores artistas românticos estão Eugène Delacroix, Francisco Goya, e William Blake.

A Liberdade Guiando o Povo, de Eugène Delacroix, é um dos quadros mais famosos do Romantismo.

Muitos artistas deste período tenderam a apresentar uma posição centralizadora que levou-os a adotar simultaneamente características diferentes dos estilos romântico e neoclássico, de forma a sintetizá-los. As várias tentativas tomaram lugar na Academia Francesa, e coletivamente são reunidas na arte acadêmica. Considera-se que William-Adolphe Bouguereau encabece esta tendência da arte.

''História Ocidental''

''História Ocidental''

É na Antiguidade que surgem os primeiros conceitos teóricos a respeito da sistematização e estudo das artes. Ainda que cubra um período bastante longo, destaca-se aí a formulação da estética clássica, reunindo as culturas grega e romana.

Durante praticamente toda a Antiguidade, a arte esteve bastante associada às necessidades formais dos rituais religiosos: as várias formas de produção artística (pintura, escultura, arquitetura), buscavam de alguma forma trazer para o mundo mortal os valores do mundo divino. Esta visão de arte é especialmente encontrada nos egípcios e babilônios. Os gregos e romanos, porém, ainda que cultivem esta necessidade, caminharão para uma arte com novos significados. A arte, para eles, tornar-se-á uma forma de humanismo.

Não existia a noção de perspectiva, que só foi (brevemente) desenvolvida pelos gregos, em um conceito chamado escorço, mas ainda não sistematizado (algo que será feito apenas no Renascimento). Desta forma, a pintura egípcia, por exemplo, caracterizou-se por propor uma realidade em suas pinturas que se mostrava não apenas bidimensional como simbólica: os personagens de maior importância, como os faraós, eram representados em uma escala bem maior que as demais figuras.

Arte clássica: Grécia e Roma

Estatuária clássica

Os gregos são responsáveis pelo conceito de arte que permeará praticamente toda a produção ocidental durante mais de 2000 anos. A palavra grega para a arte é tekné, que também significa técnica ou ofício. Este conceito está associado à ideia de mímese, que considera que no mundo real, a manifestação artística deve representar a busca do ideal. O ideal, para os gregos, é representado pela Perfeição da Natureza, desta forma, a arte deve ser perfeita. Portanto, segundo o ponto de vista clássico, a arte é imitação da Natureza, mas não se resume a um simples retrato dela, mas à busca de uma Natureza ideal e universal. A busca deste ideal universal de Natureza é, para a arte clássica, a busca da Beleza universal, pois a Natureza, sendo perfeita, é bela. Não existe separação, segundo este ponto de vista, entre arte, ciência, matemática e filosofia: todo o conhecimento humano está voltado à busca da perfeição.

Os gregos são responsáveis também por uma série de avanços do ponto de vista técnico da produção artística. A arte grega por excelência foi a escultura: os gregos desenvolveram-na de forma impressionante, considerados os exemplares de outras culturas do mesmo período. A busca pelas relações naturais perfeitas levou também a que a estatuária grega estabelecesse determinados padrões de beleza que a tornavam, ainda que absolutamente naturalista, distante da realidade cotidiana. As proporções dos corpos humanos ideais seguiam normas rígidas, de forma que a produção escultórica fosse uma busca e uma consequência destes padrões: como exemplo, a altura do corpo masculino deveria possuir aproximadamente sete vezes e meia a altura da cabeça. Esta canonização chegou até os dias atuais principalmente pela preservação dos textos vitruvianos durante a Idade Média, mas é possível que tratados diversos possuíssem regras diferentes.

Arte medieval

Pintura medieval: pedagógica, religiosa

Durante a Idade Média a arte esteve predominantemente comprometida com o projeto de difusão e propaganda do Cristianismo europeu. Durante este período, visto que a vasta maioria dos camponeses era iletrada, as artes visuais eram o principal método para comunicar as ideias religiosas aos fiéis, juntamente da apresentação de sermões. A Igreja Católica era uma das poucas instituições ricas o suficiente para remunerar a obra dos artistas, e portanto a maior parte das obras eram de natureza religiosa (condicionando o que se conhece por arte sacra).

Desde a queda do Império Romano, muitas das técnicas artísticas desenvolvidas na Grécia Antiga foram perdidas, o que levou a pintura medieval a ser predominantemente bidimensional. Como não havia nenhuma noção de perspectiva na produção artística do período, as personagens retratadas eram pintadas maiores ou menores de acordo com sua importância e seu simbolismo e não de acordo com sua posição relativa à tela e ao olho do observador. Ao lado da pintura, a tapeçaria era a mais importante forma de arte medieval: as peças de tapeçaria eram elementos necessários para manter o calor interno dos castelos no inverno (os quais eram construídos predominantemente com pedra). A mais famosa tapeçaria medieval é o ciclo conhecido como A senhora e o unicórnio.

As duas principais manifestações arquitetônicas (principalmente relacionadas à construção de catedrais) eram o românico (até meados do século XII) e o gótico (de meados do século XII em diante). Apesar de ambas serem normalmente associadas a diferentes períodos históricos, elas nunca deixaram de ser construídas e eventualmente manifestavam-se paralelamente. Destaca-se também a formação das corporações de ofícios, especialmente durante o período do Renascimento comercial, reunindo artesãos que detinham o monopólio do conhecimento prático de determinado assunto.

Vale ressaltar que o povo durante a Idade Média não possuía o hábito da leitura, visto que eram poucos aqueles que tinham acesso à escrita e que podiam ler. Portanto, as artes visuais foram um dos principais meios encontrados pela Igreja Católica de passar para a sociedade os valores do cristianismo.

A maioria dos artistas medievais eram anônimos e o trabalho coletivo era bastante comum. Além disso, é difícil identificar artistas individuais no período.

''Artes de Giotto''

''Renasce a Perspectiva''

Giotto di Bondone foi com certeza um dos pintores mais expressivos da história da arte. Sua importância é tamanha que muitos o consideram simplesmente o precursor do Renascimento.

Giotto nasceu em 1267, perto da cidade de Florença e morreu em 1337, um passado muito distante, tanto que quando ele nasceu ainda haviam duas cruzadas para acontecerem.

A importância de Giotto está no fato de que ele foi o primeiro pintor, em cerca de mil anos a inserir a perspectiva na pintura.

Antes da Giotto a igreja, que dominou a arte desde o fim do Império Romano, considerava que a pintura deveria ser somente um meio de apresentar uma mensagem (quase sempre religiosa é claro) e não um fim em si. Por isso nesta época ocorreu um simplificação da pintura em relação ao período clássico.

Mas não foi somente a perspectiva que impressionou na arte de Giotto, mas a própria qualidade de seus trabalhos, também considerada inédita na época. A pintura de Giotto causou comoção em Florença, pode se dizer, preservadas as devidas dimensões, que Giotto foi o primeiro artista "superstar". Foi a partir dele que artistas começaram a ser reconhecidos como estrelas na Europa e também foi a partir de Giotto que começou o hábito dos pintores assinarem suas obras.

A Lamentação de Cristo - 1305 - Afresco da Cappella Dell'Arena. Além da perspectiva, neste quadro vemos outra inovação em relação a Idade Média, personagens aparecem de costas, algo que não acontecia antes de Giotto.

A Última Ceia por Giotto. Repare na disposição dos Apóstolos. Como no quadro anterior, muitos estão de costas para nós. Com isso Giotto buscava mais realismo à cena, não apenas passar a mensagem necessáriau, mas tentar visualizar o momento como teria ocorrido. Reparem que neste quadro também há um erro, o mastro parece atravessar um dos apóstolos. Giotto pagou nesta obra o preço pela inovação, pois estava fazendo o que ninguém mais fazia.

A Apresentação da Virgem - 1305 - Afresco da Cappella Dell'Arena, em Pádua, na Itália. Repare no impressionante efeito 3d que Giotto conseguiu nesta pintura. Começava uma nova era para as artes.

Vejam o quadro abaixo, um típico exemplo da idade média, de um outro artista, e comparem a diferença, reparem na ausência de perspectiva e como o pintor se esforça para mostrar todos os personagens de frente, mesmo que isso tire o realismo da cena. Assim era a pintura antes de Giotto.

Giotto, segundo relatos, era um homem muito pequeno, quase um anão, mas sua obra é de uma grandeza incomparável. Ele foi um desbravador da pintura, símbolo do Renascimento, uma época em que a humanidade, olhando bem para trás, voltava a caminhar para frente.

Biografia '' Giotto di Bondone''

Giotto di Bondone é considerado o primeiro gênio do Renascimento italiano. Sua arte modificou a maneira de conceber os temas religiosos e superou a pintura bizantina, dando-lhe um caráter tridimensional e humanizado.

Filho de um pequeno fazendeiro, conta-se que aos doze anos Giotto foi visto desenhando uma das cabras de seu pai. Conta-se também que, trabalhando como aprendiz de um mercador florentino, insistiu para ser admitido no ateliê do pintor Cimabue, o grande mestre da pintura no século 13. As primeiras obras conhecidas de Giotto são uma série de afrescos sobre a vida de São Francisco, pintados na igreja de Assis. Cada afresco representa uma passagem na vida do santo, e as figuras humanas e os animais aparecem representados de forma realista.


Entre 1305 e 1306, Giotto pintou uma série de 38 afrescos na Capela Arena, em Pádua, contando a vida de Jesus Cristo e da Virgem Maria. Entre as diversas cenas ali representadas, está um impressionante juízo final. Giotto realizou também diversas obras por encomenda de príncipes e altas autoridades da Igreja, em Roma, em Nápoles e em Florença. Em 1334 a cidade de Florença concedeu a Giotto o título de Magnus Magister (Mestre Maior)e tornou-o arquiteto oficial da cidade e superintendente de obras públicas.

Giotto desenhou o famoso campanário de Florença. Giotto di Bondone era um homem caseiro e espirituoso. Casou-se e teve seis filhos. Na cidade de Florença, tinha ótima reputação e era considerado um homem rico. Dante Alighieri, o autor da "Divina Comédia", incluiu Giotto na parte do Purgatório, citando-o como o grande pintor que superou Cimabue. Não se conhece a data certa de seu nascimento e há dúvidas quanto ao ano.